- ¿Qué é o rap ou o hip-hop?
El término rap tiene varias sugerencias: pudiera ser rhythm and poetry (ritmo y poesía). Otros posibles acrónimos son recite a poem y, por el origen americano "Radical American Poetry". También se dice que es el apocope de "Rapid", aunque otras muchas teorías afirman que "rap" viene de la palabra "rapsoda", persona que en la Antigua Grecia recitaba versos en la calle; también es una sigla llamada "Revolucion Afroamericana Popular".
Frecuentemente relacionadas con homólogos de ficción, de manera intensamente lírica, rítmica, usando técnicas como asonancia, aliteración, y rima. El rapero está acompañado por una pista instrumental, normalmente se refiere a un "golpe" (proveniente del Inglés beat) a causa del énfasis en el ritmo, hecho por un DJ, o por un productor de discos, o uno o más instrumentalistas.
- ¿Hai alguna diferencia entre eles?
Musicalmente la única diferencia entre los dos es que el rap siempre contiene el elemento vocal de rimas habladas mientras que el hip-hop puede ser puramente instrumental en su naturaleza
el Rap forma parte del Hip hop, el Hip hop es la cultura entera, todo el movimiento, compuesta por la música, el baile, y el arte
- ¿Onde xorde e cando?
La parte musical de esta cultura denominada Hip hop, el Rap, la parte sonora la produce el término denominado MC y el DJ, el MC, siglas que significan Maestro de Ceremonias, proviene de la entidad religiosa, el padre es el Maestro de Ceremonias y es "el que habla", en la cultura del Hip hop es el encargado de rapear, era muchas veces la llamada "música de negros" ya que era en Estados Unidos donde los trabajadores de color inconformes rapeaban sus problemas para así intentar superarlo.
El MC produce rimas sobre un tema en concreto encima de una base musical realizada por un DJ, el "Disc Jockey" empieza a finales de 1970 con el fenómeno del Turntablism, se trataba de música callejera, diferentes estilos pero siempre en la calle, gratuitamente y con el DJ con sus platos. Clive Campbell, más conocido como Kool DJ Herc fué un jamaiquino pionero en el fenómeno del Turntablism. Kool DJ Herc a finales de los 60 se mudó a Nueva York y llevó, con él, la tradición jamaiquina del Toasting, improvisar rimas sobre secciones instrumentales de discos de reggae.
Nuestro DJ pionerose decantó exclusivamente por la parte instrumental, el DJing, y dejó la parte del MCing (como se conocía el término de rap en aquellos tiempos) a 2 de sus amigos, Coke La Rock y Clark Kent, estos 3 fenómenos crearon el primer grupos de MC's llamados Kool Herc y the Herculoids.
DJ Kool Herc
Grand Wizard Theodore
No hay que dar menos importancia al DJ que descubrió el término denominado como Scratch, usado en casi todos los grupos de Hip ho
- ¿Qué é o breakbeat?
es una técnica de creación musical que se compone de un break, una porción de canción escogida por sus características rítmicas expresivas, que se combina formando un beat, que el disk jockey repite de forma rítmica creando una instrumental. El significado de este término se ha extendido de forma análoga a el género musical instrumental rítmico fruto de esta técnica, muy expresivo para el baile. Es la raíz del electro, una de las raíces de toda la música electrónica y la técnica más utilizada en las instrumentales de rap.
- ¿E o breakdancing?
es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas en los barrios como el Bronx o Brooklyn de Nueva York a comienzos de los años 1970. Es posiblemente el estilo de baile dentro del hip hop más conocido. El Break Dance es uno de los llamados cuatro elementos del hip hop, siendo los otros el MCing (o rapping), el DJing (o turntablism) y el Graffiti.
Busca información sobre es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas en los barrios como el Bronx o Brooklyn de Nueva York a comienzos de los años 1970. Es posiblemente el estilo de baile dentro del hip hop más conocido. El Break Dance es uno de los llamados cuatro elementos del hip hop, siendo los otros el MCing (o rapping), el DJing (o turntablism) y el Graffiti..
- ¿Que é a Afrika Bambaataa?
Afrika Bambaataa (nacido como Kevin Donovan el 17 de abril de 1957) está catalogado un pionero dentro del nacimiento del hip hop. Afrika fue uno de los DJ de la escena neoyorquina (South Bronx en especial) de finales de los setenta.
Durante sus primeros años, Bambaataa fue el miembro fundador de una pandilla del Bronx llamada The Savage Seven. Debido al crecimiento y expansión de la banda, la ‘street gang’ pasó a ser conocida como Black Spades, y Bambaataa ascendió al status de líder del grupo. Después de una visita a África que le marcó, Kevin Donovan se cambió el nombre a Afrika Bambaataa Aasim. Bambaataa fue influido notablemente por la película Zulu, basada en una sangrienta batalla que tuvo lugar en África en el año 1879 y en la que 140 soldados británicos tuvieron que enfrentarse a 4.000 guerreros Zulú. Después de esto, Bambataa decidió liderar e involucrar a las bandas en labores y actos positivos para la comunidad. Su carrera se inicia en los 70, cuando el hip hop pasaba por una etapa estrictamente underground. Aquella era una época en que Bambaataa ejercía labores de DJ, además de crear una asociación que con el paso del tiempo iría aumentando en tamaño e importancia: la Zulu Nation (en primer lugar se llamaba The Organization), que englobaba DJs, raperos, B-boys, y graffiteros. Un grupo de artistas callejeros formado como una pandilla pero dedicados a expresarse mediante arte y no por violencia.
- ¿Qué é un rapper?
Dicese del que realiza música rap.
- ¿A qué se chama turnablism?
arte de arreglar o crear música mediante efectos de sonido y manipulación de las rutinas de rotación y lectura de los discos de vinilo sobre un plato giradiscos. Turntablism Se podría traducir como el arte de hacer girar "las mesas"(de discos). Se llama turntable(=mesa giratoria) al plato giradiscos. El turntatblism es uno de los cuatro pilares básicos de la cultura Hip-Hop y uno de los orígenes de las técnicas de música dance actuales.
- ¿Qué é o electro funk?
Un tipo de Funk hecho sólo con instrumentación (incluída su percusión) electrónica, conocido como Electro Funk, y cuyos primeros exponentes destacados son los D-Train, Peech Boys, Shalamar y Midnight Star.
- ¿E o scratch?
En música, se llama así una técnica utilizada por los DJs de hip-hop y música electrónica, que consiste en mover un disco de vinilo hacia adelante y hacia atrás sobre el plato del tocadiscos para crear un efecto parecido al de rayar el disco y que, bien utilizado, ayuda a construir ritmos y frases melódicas. Algunos instrumentos de música electrónica incorporan un mando giratorio circular para imitar este efecto.
A lo largo de los años, y ayudándose de las mesas de mezclas, los djs han inventado decenas de técnicas que pueden convertir un sonido muy sencillo en todo un repertorio de notas musicales con compás y ritmo.
- ¿Qué é o gangsta-rap?
El Gangsta Rap es el sub-género de la música rap en el que las letras dan más importancia a las historias de gángsters y drogas. Es principalmente un subgénero temático, que se plasma en diferentes subestilos musicales de la música rap.
- Busca información sobre Public Enemy, Ice Cube e Los violadores del verso e SFDK.
PUBLIC ENEMY: El equipo de productores Bomb Squad, junto a Chuck D, creaba mediante samplers unas complejas e innovadoras bases de hip hop, compuestas por decenas de sonidos: voces, ruidos y fragmentos musicales extraídos de otros discos. En los ochenta, solían utilizar muchísimas muestras breves de sonidos de otros autores, difícilmente reconocibles, sin preocuparse por los derechos de autor. Esta mezcla de sonidos producía lo que llamaban un muro sónico. A partir de 1990, las compañías discográficas prestaron una gran atención a la utilización de samples en hip hop, por lo que P E tuvo que simplificar su música, utilizando menos piezas con derechos de autor, y más instrumentación orgánica.
Sobre estas bases musicales, modificadas por los efectos y scratches del DJ Terminator X, Chuck D rapeaba largas cadenas de versos cortos, con aliteraciones y rimas internas, y con contenidos frecuentemente políticos. Instaba a sus oyentes a alejarse de la delincuencia común y de las drogas, y a desconfiar y combatir el poder. Sus primeros trabajos estaban muy influidos por las enseñanzas de la Nación del Islam, un grupo radical de musulmanes afroamericanos. El segundo vocalista era Flavor Flav, con aspecto y letras menos serias.
ICE CUBE: Ice Cube (nacido como O'Shea Jackson el 15 de junio de 1969 en Los Angeles, California) es un rapero y actor americano. Comenzó su carrera como miembro del polémico grupo de gangsta rap N.W.A., y posteriormente lanzaría su exitosa carrera en solitario en la música y en el cine. En los últimos años, su carrera como actor ha sido el centro de su vida, aunque no ha descuidado para nada el rap. Está considerado como uno de los iconos y figuras más influyentes en la industria del hip hop, particularmente por su rap intrépido y enfadado, y por tocar temas políticos y raciales en sus letras.
VIOLADORES DEL VERSO: Violadores del Verso o Doble V (tuvieron problemas legales con este nombre por coincidir con el nombre de una marca de whisky y volvieron a la primera) son un grupo de rap de Zaragoza. Formado por Hate (también llamado Sho Hai) (Sergio Rodríguez, MC), Kase-O (Javier Ibarra, MC), Lírico (David Gilaberte, MC) y R de Rumba (Rubén Cuevas, DJ y productor). Su manager es José Ramón Alconchel.
SFDK: SFDK, acrónimo de Straight From Da Kranny, que más tarde por decisión del grupo pasaría a ser Siempre Fuertes De Konciencia, es un grupo de rap sevillano formado por Zatu (Saturnino Rey, Mc) y Acción Sánchez (Óscar Sánchez, Dj).
Siempre acompañados de la fuerza de su directo, en 2003 editaron el LP "2001 Odisea en el lodo", su última referencia con Zona Bruta, con el que obtuvieron un gran respaldo por parte del público tanto en ventas (más de 15000 copias) como en conciertos, llegando a recorrer todas las capitales españolas y varios países extranjeros.
Han sido nominados en la XII Edición de los Premios de la Música 2008 como mejor álbum de hip hop con "Los veteranos".[5]
lunes, 28 de abril de 2008
miércoles, 2 de abril de 2008
ROMANTICISMO
QUESTIÓNS:
En proceso...
- ¿Que significa para ti a palabra "romanticismo"? ¿Cómo é unha cousa, unha paisaxe ou unha persoa romántica?
Exaltacion de los sentimientos,valoración de lo personal.Una cosa,una persona y un paisaje románticos son algo que exprese un sentimiento.
- Neste período, o mundo artístico consideraba a música a máis perfecta de tódalas artes. ¿Por que?
En el romanticismo se piensa que la música pinta los sentimientos de una manera sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.La música romántica afectó a todas las artes.
- A música deixa de ser un entretemento e o artística pasa de ser un artesán a ser un...XENIO- ¿Por que se considera a Beethoven o primeiro romántico?
Los artistas componen obras que nadie encarga, destinadas a un público futuro.
La Novena Sinfonía en re menor, opus 125 de Beethoven tenía implicaciones que los más grandes compositores de la siguiente generación no podían ignorar.Los músicos de este siglo tomaron como paradigma del compositor a Beethoven, figura atormentada por una infancia desgraciada, que encuentra en la música un medio de liberación de su alma.
-Paganini e Listz eran...VIRTUOSOS.
- ¿Cales son os temas preferidos no Romanticismo?
Egocentrismo: El alma del hombre es su enemigo interior, identificable con una obsesión incurable por lo imposible, que priva del goce de la vida al individuo y hace que ésta le sea adversa.
La Libertad: El reino de la libertad absoluta es el ideal romántico.
El amor y la muerte: El romántico asocia amor y muerte, como ocurre en el Werther de Goethe. El amor atrae al romántico como vía de conocimiento, como sentimiento puro, fe en la vida y cima del arte y la belleza.
- As harmonías, melodía, ritmo e timbre eran...
Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un cierto gusto por el contrapunto polifónico.
Se termina de explotar al máximo todos los recursos técnicos y tímbricos del piano, que servirán de germen para el pianismo del siglo XX y para el desarrollo constructivo del instrumento.
En cuanto a las formas, hay una preferencia por la pequeña forma, de la cual ya había sentado las bases Schubert en sus “Momentos Musicales” e “Impromtus”. Las grandes formas clásicas decaen en beneficio de esta nueva forma tipo “lied”, del cual hablaremos en detalle más adelante, que sirve a los románticos como medio condensado de expresión, en ocasiones extrema o latente.
Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un cierto gusto por el contrapunto polifónico.
- ¿Cal é o instrumento por excelencia nesta época? ¿Por que?
El piano, el piano sirvió de herramienta para lograr la expresión musical a través de variados artilugios. Se convirtió en latiguillo de la creación, en experimento de nuevos estilos y (en términos actuales) en interfaz entre el artista y su creación.
- A partir de Beethoven a sinfonía segue por dous camiños: un conservador e outro profresista.
En que consistían estas dúas liñas de composición e que autores destacan en cada unha delas?
- ¿Que se entende por música programática?
música que describe un tema no musical, como puede ser un relato, un objeto o una escena, mediante el uso de efectos musicales. La intención de utilizar la música con propósitos descriptivos se pierde en la noche de los tiempos.
- ¿Que é un poema sinfónico? ¿Quen foi o seu creador?
Poema sinfónico o Tone Poem, género de música programática para orquesta que se desarrolló en los siglos XIX y XX. Suelen tener generalmente un único movimiento y están relacionados con conceptos de la pintura, la poesía, el teatro, los paisajes naturales y otras fuentes extramusicales.
El impulso hacia lo extramusical constituyó una parte importante del romanticismo musical. Sus primeros defensores fueron Hector Berlioz y Franz Liszt, que bajo la influencia del primero inventó el término poema sinfónico.
- ¿Que é un lied? Sinala un compositor de lieder importante.
En la historia de la música clásica europea, el termino refiere a una composición, típica de los países germánicos y escrita para un cantante con acompañamiento de piano. Este tipo de composición, que surgió en la época clásica (1760 - 1820), floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX. Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana
Destaca Franz Schubert.
- Busca información sobre a ópera romántica e sobre Verdi (Italia), Wagner (Alemaña) e Bizet (Francia).
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su clímax con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
Verdi siempre tuvo predilección por los temas literarios o históricos; sus libretistas, siempre en pugna con los censores, dieron forma operística al tema elegido, de modo que, pese a ser obras totalmente originales, las formas tradicionales despuntaban en mayor o menor medida: el recitativo con acompañamiento orquestal y las escenas de bel canto, conjuntos llenos de agitación apasionada, grandes entradas corales, contrastantes cambios de escena y un final expansivo antes del entreacto principal. Los estereotipos persistieron en amplia medida: el héroe y la heroína tenían voces altas, los personajes atormentados y los villanos estaban en tesitura de barítono, las villanas, los dignatarios y los padres eran contraltos y bajos. Verdi intensificó el realismo de la pronunciación; hizo brotar, con su sentido pesimista, el lado sombrío de la vida; hizo el lenguaje orquestal mucho más perfecto expresivamente para caracterizar la acción, insistió enérgicamente en la dicción clara, fue derivando con confianza hacia el drama musical, pero en todo ello era siempre un italiano, y como tal estaba atado por la supremacía de la voz y de la forma. Siguiendo a su ídolo Shakespeare, se esforzó implacablemente por alcanzar la verosimilitud en el lenguaje armónico expansivo y orquestal del romanticismo pero mantuvo los pies sobre el suelo operístico, ya fuera en obras sombrías e irreductibles como Macbeth (1847-1865) y Simon Boccanegra (1857 y 1881), o en óperas próximas a la grand opéra parisiense y a Meyerbeer, como I Vespri siciliani (1855), La forza del destino .su propia época a la escena una sola vez, y con ciertas connotaciones autobiográficas; compuso La Traviata.
Wagner se propuso primeramente "sobrepasar todas las manifestaciones previas de la grand opéra" con Rienzi Dresde, 1842), una obra histórica de largo aliento siguiendo las pautas de Spontini; su tema central, en términos grandiosos, es un tributo popular de la Roma renacentista que cae víctima de sus propias ideas reformistas. Aunque no es todavía un drama musical, Dier fliegende Holländer (Dresde, 1843) no es una ópera tradicional;
La obra más conocida de Bizet es su ópera Carmen, de 1875, que está basada en una novela de 1846 del mismo título debida a Prosper Mérimée. Influenciado por Giuseppe Verdi, compuso el papel de Carmen para una mezzo-soprano. No teniendo éxito inmediatamente, Bizet llegó a desanimarse por el supuesto fracaso, pero recibió alabanzas de compositores tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky y Claude Debussy, quienes reconocieron sus méritos. Sus opiniones fueron proféticas, pues el tiempo ha hecho de Carmen una de las obras más populares del repertorio operístico.
Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito de Carmen. Unos pocos meses después del debut de la ópera, mientras se encontraba bajo los efectos de una grave depresión mental, murió a la temprana edad de 37 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a «reumatismo articular agudo». Fue enterrado en el cementerio Père Lachaise de París.
Aunque esta faceta no sea muy conocida, Bizet fue un extraordinario pianista que mereció los elogios del propio Franz Liszt. Después de haberle escuchado interpretar una compleja partitura, Liszt dijo que consideraba a Bizet como uno de los pianistas más brillantes de Europa.
En proceso...
- ¿Que significa para ti a palabra "romanticismo"? ¿Cómo é unha cousa, unha paisaxe ou unha persoa romántica?
Exaltacion de los sentimientos,valoración de lo personal.Una cosa,una persona y un paisaje románticos son algo que exprese un sentimiento.
- Neste período, o mundo artístico consideraba a música a máis perfecta de tódalas artes. ¿Por que?
En el romanticismo se piensa que la música pinta los sentimientos de una manera sobrehumana, que revela al hombre un reino desconocido que nada tiene que ver con el mundo de los sentimientos que le rodea.La música romántica afectó a todas las artes.
- A música deixa de ser un entretemento e o artística pasa de ser un artesán a ser un...XENIO- ¿Por que se considera a Beethoven o primeiro romántico?
Los artistas componen obras que nadie encarga, destinadas a un público futuro.
La Novena Sinfonía en re menor, opus 125 de Beethoven tenía implicaciones que los más grandes compositores de la siguiente generación no podían ignorar.Los músicos de este siglo tomaron como paradigma del compositor a Beethoven, figura atormentada por una infancia desgraciada, que encuentra en la música un medio de liberación de su alma.
-Paganini e Listz eran...VIRTUOSOS.
- ¿Cales son os temas preferidos no Romanticismo?
Egocentrismo: El alma del hombre es su enemigo interior, identificable con una obsesión incurable por lo imposible, que priva del goce de la vida al individuo y hace que ésta le sea adversa.
La Libertad: El reino de la libertad absoluta es el ideal romántico.
El amor y la muerte: El romántico asocia amor y muerte, como ocurre en el Werther de Goethe. El amor atrae al romántico como vía de conocimiento, como sentimiento puro, fe en la vida y cima del arte y la belleza.
- As harmonías, melodía, ritmo e timbre eran...
Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un cierto gusto por el contrapunto polifónico.
Se termina de explotar al máximo todos los recursos técnicos y tímbricos del piano, que servirán de germen para el pianismo del siglo XX y para el desarrollo constructivo del instrumento.
En cuanto a las formas, hay una preferencia por la pequeña forma, de la cual ya había sentado las bases Schubert en sus “Momentos Musicales” e “Impromtus”. Las grandes formas clásicas decaen en beneficio de esta nueva forma tipo “lied”, del cual hablaremos en detalle más adelante, que sirve a los románticos como medio condensado de expresión, en ocasiones extrema o latente.
Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un cierto gusto por el contrapunto polifónico.
- ¿Cal é o instrumento por excelencia nesta época? ¿Por que?
El piano, el piano sirvió de herramienta para lograr la expresión musical a través de variados artilugios. Se convirtió en latiguillo de la creación, en experimento de nuevos estilos y (en términos actuales) en interfaz entre el artista y su creación.
- A partir de Beethoven a sinfonía segue por dous camiños: un conservador e outro profresista.
En que consistían estas dúas liñas de composición e que autores destacan en cada unha delas?
- ¿Que se entende por música programática?
música que describe un tema no musical, como puede ser un relato, un objeto o una escena, mediante el uso de efectos musicales. La intención de utilizar la música con propósitos descriptivos se pierde en la noche de los tiempos.
- ¿Que é un poema sinfónico? ¿Quen foi o seu creador?
Poema sinfónico o Tone Poem, género de música programática para orquesta que se desarrolló en los siglos XIX y XX. Suelen tener generalmente un único movimiento y están relacionados con conceptos de la pintura, la poesía, el teatro, los paisajes naturales y otras fuentes extramusicales.
El impulso hacia lo extramusical constituyó una parte importante del romanticismo musical. Sus primeros defensores fueron Hector Berlioz y Franz Liszt, que bajo la influencia del primero inventó el término poema sinfónico.
- ¿Que é un lied? Sinala un compositor de lieder importante.
En la historia de la música clásica europea, el termino refiere a una composición, típica de los países germánicos y escrita para un cantante con acompañamiento de piano. Este tipo de composición, que surgió en la época clásica (1760 - 1820), floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX. Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana
Destaca Franz Schubert.
- Busca información sobre a ópera romántica e sobre Verdi (Italia), Wagner (Alemaña) e Bizet (Francia).
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su clímax con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.
Verdi siempre tuvo predilección por los temas literarios o históricos; sus libretistas, siempre en pugna con los censores, dieron forma operística al tema elegido, de modo que, pese a ser obras totalmente originales, las formas tradicionales despuntaban en mayor o menor medida: el recitativo con acompañamiento orquestal y las escenas de bel canto, conjuntos llenos de agitación apasionada, grandes entradas corales, contrastantes cambios de escena y un final expansivo antes del entreacto principal. Los estereotipos persistieron en amplia medida: el héroe y la heroína tenían voces altas, los personajes atormentados y los villanos estaban en tesitura de barítono, las villanas, los dignatarios y los padres eran contraltos y bajos. Verdi intensificó el realismo de la pronunciación; hizo brotar, con su sentido pesimista, el lado sombrío de la vida; hizo el lenguaje orquestal mucho más perfecto expresivamente para caracterizar la acción, insistió enérgicamente en la dicción clara, fue derivando con confianza hacia el drama musical, pero en todo ello era siempre un italiano, y como tal estaba atado por la supremacía de la voz y de la forma. Siguiendo a su ídolo Shakespeare, se esforzó implacablemente por alcanzar la verosimilitud en el lenguaje armónico expansivo y orquestal del romanticismo pero mantuvo los pies sobre el suelo operístico, ya fuera en obras sombrías e irreductibles como Macbeth (1847-1865) y Simon Boccanegra (1857 y 1881), o en óperas próximas a la grand opéra parisiense y a Meyerbeer, como I Vespri siciliani (1855), La forza del destino .su propia época a la escena una sola vez, y con ciertas connotaciones autobiográficas; compuso La Traviata.
Wagner se propuso primeramente "sobrepasar todas las manifestaciones previas de la grand opéra" con Rienzi Dresde, 1842), una obra histórica de largo aliento siguiendo las pautas de Spontini; su tema central, en términos grandiosos, es un tributo popular de la Roma renacentista que cae víctima de sus propias ideas reformistas. Aunque no es todavía un drama musical, Dier fliegende Holländer (Dresde, 1843) no es una ópera tradicional;
La obra más conocida de Bizet es su ópera Carmen, de 1875, que está basada en una novela de 1846 del mismo título debida a Prosper Mérimée. Influenciado por Giuseppe Verdi, compuso el papel de Carmen para una mezzo-soprano. No teniendo éxito inmediatamente, Bizet llegó a desanimarse por el supuesto fracaso, pero recibió alabanzas de compositores tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky y Claude Debussy, quienes reconocieron sus méritos. Sus opiniones fueron proféticas, pues el tiempo ha hecho de Carmen una de las obras más populares del repertorio operístico.
Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito de Carmen. Unos pocos meses después del debut de la ópera, mientras se encontraba bajo los efectos de una grave depresión mental, murió a la temprana edad de 37 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a «reumatismo articular agudo». Fue enterrado en el cementerio Père Lachaise de París.
Aunque esta faceta no sea muy conocida, Bizet fue un extraordinario pianista que mereció los elogios del propio Franz Liszt. Después de haberle escuchado interpretar una compleja partitura, Liszt dijo que consideraba a Bizet como uno de los pianistas más brillantes de Europa.
miércoles, 26 de marzo de 2008
MERCEDES PEÓN
Mercedes Peón é un xenio da música moderna folk Galega, ten un estilo moi particular, un xeito de facer e unha personalidade que destacan sobre o escenario.
Mercedess foi profesora de música, canta, compón, toca a gaita, a pandereita, o clarinete. Durante anos dedicouse a percorrer Galicia escoitando polos pobos á xente as súas cancións populares.
A súa música é unha profunda mestizaxe no que se identifican desde ritmos árabes e portugueses todo o máis tradicional celta.egada do século XXI Mercedes Peón deu un paso adiante coa edición de Isué, o seu primeiro disco como compositora, música e cantante que entusiasmou a crítica e público. Con este traballo discográfico conseguiu ser mellor artista de Europa 2001 pola BBC, mellor artista por Folkworld e mellor artista pola World Chart Europe. Con Isué Mercedes Peón percorreu así mesmo as citas musicais máis prestixiosas de World Music e levou a súa música a Bélxica, Francia, Eslovenia, Reino Unido, Portugal, etc.
Mercedess foi profesora de música, canta, compón, toca a gaita, a pandereita, o clarinete. Durante anos dedicouse a percorrer Galicia escoitando polos pobos á xente as súas cancións populares.
A súa música é unha profunda mestizaxe no que se identifican desde ritmos árabes e portugueses todo o máis tradicional celta.egada do século XXI Mercedes Peón deu un paso adiante coa edición de Isué, o seu primeiro disco como compositora, música e cantante que entusiasmou a crítica e público. Con este traballo discográfico conseguiu ser mellor artista de Europa 2001 pola BBC, mellor artista por Folkworld e mellor artista pola World Chart Europe. Con Isué Mercedes Peón percorreu así mesmo as citas musicais máis prestixiosas de World Music e levou a súa música a Bélxica, Francia, Eslovenia, Reino Unido, Portugal, etc.
O seu segundo traballo, Ajrú, é un compendio de ritmos frenéticos e melodías íntimas onde a voz de Mercedes Peón se converte no berro da música galega do século XXI. Tribal e moderno. Libre e escrito en feminino, tal como asegura a cantante. Ajrú é un berro de ledicia vencellado ás festas populares tan habituais en Galiza e tamén é o berro particular de Mercedes Peón, co que reivindica a diferenza e a personalidade dos seus temas.
Sihá, o novo traballo de Mercedes Peón, saíu ao mercado no ano 2007ulo cheo de forza, dinamismo e sentimento.
ENTREVISTA A MERCEDES PEÓN
-Moitos dos temas do disco recollíchelos en pobos de Galicia, que che achegaron estas viaxes?
-É a miña vida. Estas viaxes achegáronme todo: amar a tradición, respectar os costumes, autoestima da miña cultura, unha base vocal. Fundamentalmente o que eu facía era performance, que é imitar, tal cal, o que recolles. Pero me atopaba con dificultades de execución, porque non podes cantar catro horas seguidas porque che quedas sen voz. Entón empecei a estudar técnicas de logopedia, foniatría e respiración abdominal. Eu son moi autodidacta, fun un mes a clase e logo fixen recompilación porque quería adaptar todas as técnicas a favor deses sons que quería transmitir. A nivel musical busquei ritmos e melodías poderosas. Quedei prendada de toda a xente do pobo, desa cultura de transmisión oral e visual. Logo está o cincuenta por cento do meu parte, do meu corazoncito, das miñas composicións e os meus arranxos.
-O título do disco e do primeiro tema é Isué, que significa?
-Isué é "iso é". En galego escríbese separado pero hai zonas onde o pronuncian doutra forma. O que fixen é coller a parte máis enxebre de certas zonas e busquei unha estética. O máis ancestral cunha forma que poida ser de creación miña e o resultado é esta palabra.
-Canta paixón hai encerrada neste traballo?
-Hai moita. É un traballo libre. Os folclores gardan moita esencia. É saber gozar e impregnarche das ornamentacións, as modulaciones, da pandereita. No disco a pandereita está moi presente. É unha técnica depurada da terra, que eu utilizo para calquera ritmo. Váleme para todo. "A nivel musical busquei ritmos e melodías poderosas. Quedei prendada de toda a xente do pobo, desa cultura de transmisión oral e visual" De súpeto, un xiro. "Non oíches uns timbres agudos na canción que dá nome ao disco?", pregunta Mercés. Resposta afirmativa. "Pois iso, son os sachos, as aixadas, tocadas con pedras. E logo hai unha tixola xigante, destas das lareiras, que se tocaba coa chave da casa. Despois metín a lata de pemento. Esta lata era onde, na posguerra, traían pemento para España. Pero aquí, nunha zona onde tocaban os pandeiros cadrados, adoptárono para tocalo exactamente igual". Pon a alma en cada explicación. As ideas apíñanselle na cabeza e saen a borbotón. "O que che quero explicar é que é un traballo completamente libre dunha acode artista, cantante. É o traballo dunha creadora que conxuga todos os elementos que a ela lle pon os pelos de punta". Despois do xiro seguimos rumbo.
-O disco está cheo de mestizaxe.
-Non é con intención, é libre. É un gusto persoal porque me gusta a mestura de culturas. Na mestura é onde hai riqueza. No coñecemento das esencias é onde che recoñeces a ti mesmo e pódesche expresar co mundo para mesturarche.
-Por que tanto colorido no disco?
-Igual que escoitas o CD, ou polo menos esa foi a intención, e cada canción ten por si soa coherencia propia, quixen que tivese tamén un guión de cores. É que non podo falar dun guión de palabras porque tamén o ten, pero é máis que nada un guión colorístico de cancións que entran e saen. A portada é unha ferreña, que é a sonaja da pandereita, pero pode ser un ollo. É como o nome do disco: Isué pode ser irlandés, alxerino, ata ruso. Tes o laranxa, o cal é unha cor cálida e rechamante. No centro a ferreña que é a unión, o punto de partida e o circular. Logo abres o libreto e hai unha frase moi bonita para quen queira entendela, e os agradecementos alén. Volves abrir e ves outra explosión de luz que é o CD. A outra portada son pétalos de flores que estaban vivos e os escaneamos. A man representa os Camiños de Santiago. Os tres paus negros que saen cara arriba, son talos de follas que representan a pata de oca que tamén está relacionada co Camiño. A man que quere dicir "parar e mira isto. O que hai aquí é algo bo". Despois volvemos á ferreña que ten unha luz coma se fose un sol nacente e ten unha lúa crecente no hemisferio sur.
-É a miña vida. Estas viaxes achegáronme todo: amar a tradición, respectar os costumes, autoestima da miña cultura, unha base vocal. Fundamentalmente o que eu facía era performance, que é imitar, tal cal, o que recolles. Pero me atopaba con dificultades de execución, porque non podes cantar catro horas seguidas porque che quedas sen voz. Entón empecei a estudar técnicas de logopedia, foniatría e respiración abdominal. Eu son moi autodidacta, fun un mes a clase e logo fixen recompilación porque quería adaptar todas as técnicas a favor deses sons que quería transmitir. A nivel musical busquei ritmos e melodías poderosas. Quedei prendada de toda a xente do pobo, desa cultura de transmisión oral e visual. Logo está o cincuenta por cento do meu parte, do meu corazoncito, das miñas composicións e os meus arranxos.
-O título do disco e do primeiro tema é Isué, que significa?
-Isué é "iso é". En galego escríbese separado pero hai zonas onde o pronuncian doutra forma. O que fixen é coller a parte máis enxebre de certas zonas e busquei unha estética. O máis ancestral cunha forma que poida ser de creación miña e o resultado é esta palabra.
-Canta paixón hai encerrada neste traballo?
-Hai moita. É un traballo libre. Os folclores gardan moita esencia. É saber gozar e impregnarche das ornamentacións, as modulaciones, da pandereita. No disco a pandereita está moi presente. É unha técnica depurada da terra, que eu utilizo para calquera ritmo. Váleme para todo. "A nivel musical busquei ritmos e melodías poderosas. Quedei prendada de toda a xente do pobo, desa cultura de transmisión oral e visual" De súpeto, un xiro. "Non oíches uns timbres agudos na canción que dá nome ao disco?", pregunta Mercés. Resposta afirmativa. "Pois iso, son os sachos, as aixadas, tocadas con pedras. E logo hai unha tixola xigante, destas das lareiras, que se tocaba coa chave da casa. Despois metín a lata de pemento. Esta lata era onde, na posguerra, traían pemento para España. Pero aquí, nunha zona onde tocaban os pandeiros cadrados, adoptárono para tocalo exactamente igual". Pon a alma en cada explicación. As ideas apíñanselle na cabeza e saen a borbotón. "O que che quero explicar é que é un traballo completamente libre dunha acode artista, cantante. É o traballo dunha creadora que conxuga todos os elementos que a ela lle pon os pelos de punta". Despois do xiro seguimos rumbo.
-O disco está cheo de mestizaxe.
-Non é con intención, é libre. É un gusto persoal porque me gusta a mestura de culturas. Na mestura é onde hai riqueza. No coñecemento das esencias é onde che recoñeces a ti mesmo e pódesche expresar co mundo para mesturarche.
-Por que tanto colorido no disco?
-Igual que escoitas o CD, ou polo menos esa foi a intención, e cada canción ten por si soa coherencia propia, quixen que tivese tamén un guión de cores. É que non podo falar dun guión de palabras porque tamén o ten, pero é máis que nada un guión colorístico de cancións que entran e saen. A portada é unha ferreña, que é a sonaja da pandereita, pero pode ser un ollo. É como o nome do disco: Isué pode ser irlandés, alxerino, ata ruso. Tes o laranxa, o cal é unha cor cálida e rechamante. No centro a ferreña que é a unión, o punto de partida e o circular. Logo abres o libreto e hai unha frase moi bonita para quen queira entendela, e os agradecementos alén. Volves abrir e ves outra explosión de luz que é o CD. A outra portada son pétalos de flores que estaban vivos e os escaneamos. A man representa os Camiños de Santiago. Os tres paus negros que saen cara arriba, son talos de follas que representan a pata de oca que tamén está relacionada co Camiño. A man que quere dicir "parar e mira isto. O que hai aquí é algo bo". Despois volvemos á ferreña que ten unha luz coma se fose un sol nacente e ten unha lúa crecente no hemisferio sur.
lunes, 3 de marzo de 2008
MELODÍAS PARTIDOS POLÍTICOS
MELODÍA PP:
El PP ha editado una nueva canción que acompañara a su clásica melodía en los mítines de la recta final de la campaña. Bajo el título de "Revolución Popular" el PP hace un llamamiento a la revuelta popular para captar al electorado más joven. Fuentes de Génova indican que su estilo "pop-rock" trata de captar a los más jovenes.Las fuentes han asegurado que la "revolución" de la que habla la canción,se trata de una revolución liberal,de un llamamiento para que todos aquellos que defiendan los valores del PP se animen a votar para lograr el cambio.
MELODÍA DEL PSOE:
La nueva sintonía del PSOE está inspirada en uno de los fragmentos que el músico griego Vangelis compuso para la película "Carros de fuego",es la música de campaña del partido de los primeros años de transición.
MELODÍA IZQUIERDA UNIDA:
Izquierda Unida elige su sintonía electoral a traves de un concurso por My Space.Despues de recibir más de medio centenar de canciones,la sintonía elegida ha sido la que lleva por título "Fiesta" y su compositor es Romero Yamel.Existen diferentes versiones,si bien la básica es la denominada "orquesta".
El PP ha editado una nueva canción que acompañara a su clásica melodía en los mítines de la recta final de la campaña. Bajo el título de "Revolución Popular" el PP hace un llamamiento a la revuelta popular para captar al electorado más joven. Fuentes de Génova indican que su estilo "pop-rock" trata de captar a los más jovenes.Las fuentes han asegurado que la "revolución" de la que habla la canción,se trata de una revolución liberal,de un llamamiento para que todos aquellos que defiendan los valores del PP se animen a votar para lograr el cambio.
MELODÍA DEL PSOE:
La nueva sintonía del PSOE está inspirada en uno de los fragmentos que el músico griego Vangelis compuso para la película "Carros de fuego",es la música de campaña del partido de los primeros años de transición.
MELODÍA IZQUIERDA UNIDA:
Izquierda Unida elige su sintonía electoral a traves de un concurso por My Space.Despues de recibir más de medio centenar de canciones,la sintonía elegida ha sido la que lleva por título "Fiesta" y su compositor es Romero Yamel.Existen diferentes versiones,si bien la básica es la denominada "orquesta".
lunes, 25 de febrero de 2008
Mejor director: Ethan Coen, Joel Coen
Mejor actor principal: Daniel Day-Lewis
Mejor actriz principal: Marion Cotillard
Mejor actor de reparto: Javier Bardem
Mejor actriz de reparto: Tilda Swinton
Mejor película de habla no inglesa: Los falsificadores
Películas con más premios:
No es país para viejos (No Country for Old Men) (4)
El ultimatum de Bourne (3)
La vida en rosa (2)
Pozos de ambición (AKA Petróleo sangriento) (2)
Elizabeth: La edad de oro (1)
Ratatouille (1)
Taxi to the Dark Side (1)
Películas con más nominaciones:
Pozos de ambición (AKA Petróleo sangriento) (8)
No es país para viejos (No Country for Old Men) (8)
Expiación - Más allá de la pasión (7)
Michael Clayton (7)
Ratatouille (5)
Juno (4)
La escafandra y la mariposa (4)
Mejor actor principal: Daniel Day-Lewis
Mejor actriz principal: Marion Cotillard
Mejor actor de reparto: Javier Bardem
Mejor actriz de reparto: Tilda Swinton
Mejor película de habla no inglesa: Los falsificadores
Películas con más premios:
No es país para viejos (No Country for Old Men) (4)
El ultimatum de Bourne (3)
La vida en rosa (2)
Pozos de ambición (AKA Petróleo sangriento) (2)
Elizabeth: La edad de oro (1)
Ratatouille (1)
Taxi to the Dark Side (1)
Películas con más nominaciones:
Pozos de ambición (AKA Petróleo sangriento) (8)
No es país para viejos (No Country for Old Men) (8)
Expiación - Más allá de la pasión (7)
Michael Clayton (7)
Ratatouille (5)
Juno (4)
La escafandra y la mariposa (4)
Mejor banda sonora
Dario Marianelli por Expiación - Más allá de la pasión
Biografía
Dario Marianelli nació en Pisa, y estudió piano y composición en Florencia y Londres. Después de un año como compositor postgraduado en la Guildhall School of Music and Drama, donde también fue Presidente de la Sociedad Contemporánea de Música, recibió una beca de la Fundación Gulbenkian para un curso impartido por Judith Weir y Lloyd Newson en Bretton University College, sobre el tema de la composición y coreografía. Otras becas le permitieron ir a Alemania para una serie de trabajos sobre Música de Cine Europeo, y pasar tres años en la National Film and Television School, donde se graduó en 1997. Durante los últimos años Dario ha escrito música para varias películas, dramas de TV, documentales, animaciones, teatro, danza contemporánea y conciertos. Ha escrito piezas orquestales para la Orquesta Sinfónica BBC y para la Orquesta Britten-Pears, música vocal para los BBC Singers, y música incidental para la Royal Shakespeare Company. Esta madrugada ha sido recompensado con el oscar a la mejor banda sonora compitiendo con Alberto Iglesias por Cometas en el cielo (The Kite Runner),
James Newton Howard por Michael Clayton, Michael Giacchino por Ratatouille y Marco Beltrami 3:10 to Yuma (pendiente título español).
Dario Marianelli nació en Pisa, y estudió piano y composición en Florencia y Londres. Después de un año como compositor postgraduado en la Guildhall School of Music and Drama, donde también fue Presidente de la Sociedad Contemporánea de Música, recibió una beca de la Fundación Gulbenkian para un curso impartido por Judith Weir y Lloyd Newson en Bretton University College, sobre el tema de la composición y coreografía. Otras becas le permitieron ir a Alemania para una serie de trabajos sobre Música de Cine Europeo, y pasar tres años en la National Film and Television School, donde se graduó en 1997. Durante los últimos años Dario ha escrito música para varias películas, dramas de TV, documentales, animaciones, teatro, danza contemporánea y conciertos. Ha escrito piezas orquestales para la Orquesta Sinfónica BBC y para la Orquesta Britten-Pears, música vocal para los BBC Singers, y música incidental para la Royal Shakespeare Company. Esta madrugada ha sido recompensado con el oscar a la mejor banda sonora compitiendo con Alberto Iglesias por Cometas en el cielo (The Kite Runner),
James Newton Howard por Michael Clayton, Michael Giacchino por Ratatouille y Marco Beltrami 3:10 to Yuma (pendiente título español).
Mejor canción
Nominados:
Alan Menken, Stephen Schwartz ("Happy Working Song")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
Alan Menken, Stephen Schwartz ("So Close")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
Alan Menken, Stephen Schwartz ("That’s How You Know")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
("Raise It Up")
El triunfo de un sueño (August Rush)
Alan Menken, Stephen Schwartz ("Happy Working Song")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
Alan Menken, Stephen Schwartz ("So Close")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
Alan Menken, Stephen Schwartz ("That’s How You Know")
Encantada: La historia de Giselle (3 nominaciones )
("Raise It Up")
El triunfo de un sueño (August Rush)
Glen Hansard es un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está trabajando en la tienda de su padre (Bill Hodnett). Durante el día, para ganar algún dinero extra, interpreta conocidos temas para los transeúntes, pero por las noches, toca sus propios temas en los que habla de cómo le dejó su novia. Su talento no pasa desapercibido a Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle para sacar adelante a su hija y a su madre (Danuse Ktrestova). También ella se está recuperando de un “fracaso amoroso” y, para sentirse un poco mejor, escribe canciones sobre el tema, pero, a diferencia de Glen, nunca las interpreta en público. Glen y Marketa, acaban de improviso haciendo un dueto en una tienda de música y será entonces cuando descubran que algo les une. Al no haberse recuperado todavía de sus respectivas rupturas, dudan sobre si luchar por iniciar una relación entre ellos. Mientras toman una decisión que cambie sus vidas, ambos se concentran en escribir nuevos temas y grabar algo, para intentar abrirse camino profesionalmente en el mundo de la música...
Falling Slowly, es del disco The Cost editado el año pasado por el grupo irlandés The Frames, banda que se formó a principios de los ´90. El cantante de The Frames, Glen Hansard, conocido por haber hecho el papel de Outspan Foster en la película The Commitments (1991), editó el año pasado un disco junto a la cantante y pianista Markéta Irglová llamado The Swell Season que contiene los temas incluídos en la película Once, dirigida por otro integrante de The Frames: John Carney y protagonizada por los mismos Hansard e Irglová. Para el film el vocalista de The Frames y la cantante checoslovaca hicieron esta otra versión de Falling Slowly.
lunes, 11 de febrero de 2008
CLASICISMO
En proceso de gestión...
1. ¿Cómo era la sociedad de aquel momento? ¿Qué destacaríais para definirla?
Los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.
En España hay un cambio de política, de la monarquía de la casa de los Austrias a la casa de los Borbones.El neoclasicismo español del siglo XVIII fue bastante modesto, ya que entraron en liza dos corrientes contrapuestas: los continuadores amanerados de los temas y formas del siglo de oro español y el academicismo y los imperativos ilustrados de las nuevas tendencias que venían de Francia, y que a España llegaron con la dinastía Borbón. El resultado fue una vida literaria centrada en torno a una minoría culta que se interesa por la filología o la historia más que por la literatura en sí misma.
2. ¿Con qué otro nombre se conoce al Clasicismo? ¿Por qué?
El término clásico se emplea principalmente para referirse al estilo o periodo de una obra creativa, reconocida como modelo artístico o como creación de relevancia y valor cultural intemporales.A este término tambien se le conoce como el siglo de las luces porque a mediados del siglo XVIII, la escena político-social europea dio origen a una nueva edad musical adecuada a las nuevas ideas iluministas que consistían en una actitud de apertura mental,un método de pensamiento cienticifista que cuestiona todo.
3. ¿Por qué se llama a esta época Clasicismo?
El término clasicismo alude a la imitación o el uso de los principios estilísticos y estéticos que se observan en el arte y la literatura de la antigüedad griega o romana.El adjetivo clásico, en su significado literal, define el arte, la literatura y la estética de los antiguos griegos y romanos. En sentido general se refiere a cualquier estilo, etapa u obra de calidad equiparable a los modelos griegos y romanos.
4. ¿Cuál es su periodización?
El clasicismo abarcó desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el primer cuarto del siglo XIX .
5. Características que definen la música de esta época: melodía, ritmo, textura, instrumentos y forma musical (la sonata).
Desaparece el antiguo bajo continuo.
Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos.
Armonía transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones en las formas mas variadas (=modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza.
Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en sus armonías. Instrumentación y orquestación. La música instrumental es más importante que la vocal.
Atención al colorido y sonoridad de cada uno de los instrumentos y a su individualidad dentro de la orquesta.
Melodía. Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas regulares y cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos.
Los instrumentos que aun no son usuales en al orquesta clásica son: trombones, tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa, celesta, platillos , xilofón...
6. Señala un instrumento importante en esta época y di el por qué.
En el Clasicismo toma relevancia el clarinete, que se introduce en la orquesta.
En esta época se componen numerosas obras para clarinetes solistas como Concierto para clarinete en la mayor, K.622 (1791) de Wolfang Amadeus Mozart.
7. ¿Qué instrumentos forman y formaban la orquesta clásica?
La orquesta clásica presenta una serie de cambios importantes con respecto al periodo barroco. La sección de cuerdas se divide en ocho violines primeros, seis violines segundos, cinco violas, cuatro violonchelos y dos contrabajos, siendo este ultimo el único que sigue manteniendo la misma función de apoyo que había venido desarrollando. Los demás realmente han cambiado. El violín es básicamente el instrumento que mas evoluciona. Aparecen los timbales.
Los instrumentos de metal no superan la relevancia de la cuerda pero a veces mantienen la función melódica.
8. ¿Y un cuarteto de cuerda?
Esta formado por dos violines, viola y violonchelo.
Destaca la obra de Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 16 en Fa Mayor.
9. ¿Qué es una sonata y una sinfonía?
Sonata: La sonata clásica consta de tres o cuatro movimientos: I Allegro, II Adagio, Andante o Largo, III Minuetto o Scherzo, IV Final, Allegro o Presto.
El primero de estos movimientos recibe el nombre de esquema de sonata.
Este esquema es aplicable al concierto, la sinfonía, el cuarteto, dúo, etc.
A 1. Exposición: presentación. El primer tema suele ser enérgico en el tono principal. Después, pasa al segundo tema, de carácter lírico, que se encuentra en un tono vecino.
B. Desarrollo: nudo. Los mismos temas presentados en la exposición se desarrollan y se transforman y alcanzan su clímax.
A 2. Recapitulación: desenlace. Primer tema en el tono principal. Mediante un puente modulante se introduce el segundo tema, también en tono principal. Los dos temas melódicos de la exposición se resuelven.
Coda: melodía con la que concluye, sin tener en muchas ocasiones que ver con temas anteriores.
Sinfonía: En la primera mitad del siglo XVIII, en la escuela de Mannheim (Alemania), Johann Stamitz (1717-1757) aplicó la forma sonata al formato de la obertura italiana, con lo que nació la sinfonía clásica. Posteriormente, a los tres tiempos clásicos se añadió el minué, que con Beethoven pasó a ser scherzo. Por tanto, la sinfonía clásica se puede considerar como una gran sonata para orquesta.
Destaca la 3ª Sinfonía de Beethoven , "La Heroica".
10. ¿Quiénes formaban la 1ª Escuela de Viena?
W.A.Mozart (1756-1791), Joseph Haydn (1732-1809). L.V. Beethoven (1770-1827).
11. Datos curiosos sobre Mozart, Haydn y Beethoven.
Mozart:
Su hermana recibiría las primeras lecciones en el clavecín. En este medio musical, el pequeño absorbía todo con anhelante empeño; se cuenta que cuando no alcanzaba, por su estatura, a ver el teclado del clavecín, se estiraba hasta tocar con sus pequeñas manos las teclas, y al hundirlas, gozaba cuando sonaban agradablemente y lloraba cuando producían sonidos inarmónicos, hasta que llegó a entender que lo primero sucedía cuando quedaba una tecla intermedia, y lo segundo al tocar las dos inmediatas; Así conoció el secreto de la consonancia y de la disonancia. Algún tiempo después, su padre lo sorprendió escribiendo en un papel pautado y al preguntarle qué hacía, contestó con todo aplomo: ¡Estoy componiendo un concierto para clavecín!
Entre los cuatro y los seis años compuso 22 piezas.
1. ¿Cómo era la sociedad de aquel momento? ¿Qué destacaríais para definirla?
Los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas. Con el nacimiento del movimiento romántico la prioridad por la expresión personal sustituyó al arte basado en valores ideales.
En España hay un cambio de política, de la monarquía de la casa de los Austrias a la casa de los Borbones.El neoclasicismo español del siglo XVIII fue bastante modesto, ya que entraron en liza dos corrientes contrapuestas: los continuadores amanerados de los temas y formas del siglo de oro español y el academicismo y los imperativos ilustrados de las nuevas tendencias que venían de Francia, y que a España llegaron con la dinastía Borbón. El resultado fue una vida literaria centrada en torno a una minoría culta que se interesa por la filología o la historia más que por la literatura en sí misma.
2. ¿Con qué otro nombre se conoce al Clasicismo? ¿Por qué?
El término clásico se emplea principalmente para referirse al estilo o periodo de una obra creativa, reconocida como modelo artístico o como creación de relevancia y valor cultural intemporales.A este término tambien se le conoce como el siglo de las luces porque a mediados del siglo XVIII, la escena político-social europea dio origen a una nueva edad musical adecuada a las nuevas ideas iluministas que consistían en una actitud de apertura mental,un método de pensamiento cienticifista que cuestiona todo.
3. ¿Por qué se llama a esta época Clasicismo?
El término clasicismo alude a la imitación o el uso de los principios estilísticos y estéticos que se observan en el arte y la literatura de la antigüedad griega o romana.El adjetivo clásico, en su significado literal, define el arte, la literatura y la estética de los antiguos griegos y romanos. En sentido general se refiere a cualquier estilo, etapa u obra de calidad equiparable a los modelos griegos y romanos.
4. ¿Cuál es su periodización?
El clasicismo abarcó desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el primer cuarto del siglo XIX .
5. Características que definen la música de esta época: melodía, ritmo, textura, instrumentos y forma musical (la sonata).
Desaparece el antiguo bajo continuo.
Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos.
Armonía transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones en las formas mas variadas (=modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza.
Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en sus armonías. Instrumentación y orquestación. La música instrumental es más importante que la vocal.
Atención al colorido y sonoridad de cada uno de los instrumentos y a su individualidad dentro de la orquesta.
Melodía. Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas regulares y cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos.
Los instrumentos que aun no son usuales en al orquesta clásica son: trombones, tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa, celesta, platillos , xilofón...
6. Señala un instrumento importante en esta época y di el por qué.
En el Clasicismo toma relevancia el clarinete, que se introduce en la orquesta.
En esta época se componen numerosas obras para clarinetes solistas como Concierto para clarinete en la mayor, K.622 (1791) de Wolfang Amadeus Mozart.
7. ¿Qué instrumentos forman y formaban la orquesta clásica?
La orquesta clásica presenta una serie de cambios importantes con respecto al periodo barroco. La sección de cuerdas se divide en ocho violines primeros, seis violines segundos, cinco violas, cuatro violonchelos y dos contrabajos, siendo este ultimo el único que sigue manteniendo la misma función de apoyo que había venido desarrollando. Los demás realmente han cambiado. El violín es básicamente el instrumento que mas evoluciona. Aparecen los timbales.
Los instrumentos de metal no superan la relevancia de la cuerda pero a veces mantienen la función melódica.
8. ¿Y un cuarteto de cuerda?
Esta formado por dos violines, viola y violonchelo.
Destaca la obra de Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 16 en Fa Mayor.
9. ¿Qué es una sonata y una sinfonía?
Sonata: La sonata clásica consta de tres o cuatro movimientos: I Allegro, II Adagio, Andante o Largo, III Minuetto o Scherzo, IV Final, Allegro o Presto.
El primero de estos movimientos recibe el nombre de esquema de sonata.
Este esquema es aplicable al concierto, la sinfonía, el cuarteto, dúo, etc.
A 1. Exposición: presentación. El primer tema suele ser enérgico en el tono principal. Después, pasa al segundo tema, de carácter lírico, que se encuentra en un tono vecino.
B. Desarrollo: nudo. Los mismos temas presentados en la exposición se desarrollan y se transforman y alcanzan su clímax.
A 2. Recapitulación: desenlace. Primer tema en el tono principal. Mediante un puente modulante se introduce el segundo tema, también en tono principal. Los dos temas melódicos de la exposición se resuelven.
Coda: melodía con la que concluye, sin tener en muchas ocasiones que ver con temas anteriores.
Sinfonía: En la primera mitad del siglo XVIII, en la escuela de Mannheim (Alemania), Johann Stamitz (1717-1757) aplicó la forma sonata al formato de la obertura italiana, con lo que nació la sinfonía clásica. Posteriormente, a los tres tiempos clásicos se añadió el minué, que con Beethoven pasó a ser scherzo. Por tanto, la sinfonía clásica se puede considerar como una gran sonata para orquesta.
Destaca la 3ª Sinfonía de Beethoven , "La Heroica".
10. ¿Quiénes formaban la 1ª Escuela de Viena?
W.A.Mozart (1756-1791), Joseph Haydn (1732-1809). L.V. Beethoven (1770-1827).
11. Datos curiosos sobre Mozart, Haydn y Beethoven.
Mozart:
Su hermana recibiría las primeras lecciones en el clavecín. En este medio musical, el pequeño absorbía todo con anhelante empeño; se cuenta que cuando no alcanzaba, por su estatura, a ver el teclado del clavecín, se estiraba hasta tocar con sus pequeñas manos las teclas, y al hundirlas, gozaba cuando sonaban agradablemente y lloraba cuando producían sonidos inarmónicos, hasta que llegó a entender que lo primero sucedía cuando quedaba una tecla intermedia, y lo segundo al tocar las dos inmediatas; Así conoció el secreto de la consonancia y de la disonancia. Algún tiempo después, su padre lo sorprendió escribiendo en un papel pautado y al preguntarle qué hacía, contestó con todo aplomo: ¡Estoy componiendo un concierto para clavecín!
Entre los cuatro y los seis años compuso 22 piezas.
domingo, 3 de febrero de 2008
OS ANIMAIS
Tras nove traballos no mercado LUAR NA LUBRE ,presenta "Camiños da miña terra".Nel o grupo galego embárcase noutra aventura musical apaixoante gravada na Coruña natal no 2007.Con este novo proxecto acércanos as claves dos movementos que conformaron a identidade galega e celta,catorce cancións que aportan unha enorme sensación de mar,terra e beleza.
Unha das cancions integrantes do novo disco,"Os Animais", trátase dunha melodía de orixe irlandés, que coas emigracións foi á América onde foi adaptada como propia baixo o titulo de "Johnny I Hardly Knew Ye" , incluso variándoa con diferentes letras.Esta cancion fíxose ampliamente coñecida por todo o mundo como banda sonora de westerns e filmes que tratan a América de finais do século XIX, producidos en Hollywood. A versión de Luar na Lubre é unha adaptación de Xabier Cordal dunha das letras tradicionais, que ten unha posible orixe bíblica.
Os animais de dous en dous
u-ah!, u-ah!
Os animais de dous en dous
u-ah!, u-ah!
Van subindo á Arca de dous en dous
O boi, a vaca e o caracol
E soben cando chove e cando fai calor
Os animais de tres en tres
u-ah!, u-ah!
Os animais de tres en tres
u-ah!, u-ah!
Van subindo á nave de tres en tres
A garza farta e o cempés
Din adeus coa súa patiña, andando do revés
Os animais de catro en catro
u-ah!, u-ah!
Os animais de catro en catro
u-ah!, u-ah!
Van de catro en catro os animais
E o saltón saltou de máis
Quere pillalo un home que filma documentais
Os animais de cinco en cinco
u-ah!, u-ah!
Os animais de cinco en cinco
u-ah!, u-ah!
E se van marchando en procesión
O lince, a ovella e o leirón
Ao afundirse a Terra, acaba esta canción
Cando se afunda a Terra, acaba esta canción
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